Du har spelat in allt, men behöver fortfarande sätta ihop de separata elementen i inspelad musik? Ljudhanteringsprogram och verktyg kan verka skrämmande, eftersom de har många knoppar och kodord som du kanske inte känner till. Här är en snabbguide som förklarar de mest grundläggande stegen för att blanda låtar.
Steg
Steg 1. Lyssna på alla spår i låten tillsammans vid repetition
Få en "känsla" av låten: vad låten handlar om, vart den är på väg och hur alla element kompletterar varandra. Börja med alla faderrattar inställda på halv volym och justera därifrån. Om virvel ljudet är för starkt, sänka fader volymen; Om du har svårt att höra rytmgitarrljudet, höj volymen.
Steg 2. Lyssna på annan musik
Lyssna på liknande låtar för att ta reda på hur de använder varje instrument för att producera ett komplett spår. Du kanske också vill lyssna på mycket annorlunda (men fortfarande relaterad) musik för att hitta nya idéer om denna blandningsprocess. Vem vet, att lyssna på jazz i soultoner kommer att påverka dig att blanda olika genrer i dina R & B -låtar. Det är inget fel med att leta efter inspiration och referenser från andra låtar.
Steg 3. Utför iscensättning (placering av musikinstrument i ett konstgjort rum/scen)
En av de viktigaste och ofta förbisedda aspekterna av processen att blanda en låt är iscensättning. Sammanfattningen här syftar till att justera alla nivåer i en sångs spår så att de inte stör varandra. Om du inte gör den här processen får du oönskad snedvridning i blandningsprocessen. Håll din musiknivå konservativ och du kommer troligen att blanda bra. En bra konservativ nivå att börja med är -18dBVU, hålla sig borta från röda nivåer som en allmän referens.
Steg 4. Bestäm förhållandet mellan varje spår
Vilka delar kompletterar varandra? Till exempel kan rytmgitarrspår spelas omväxlande, vilket resulterar i en tyst effekt med några slag. Finns det ett spår som verkar helt värdelöst? Prova att skjuta faderratten hela vägen ner och kontrollera om du tar bort det här spåret kommer att påverka din låt. Kom ihåg att det inte är någon idé att behålla ett ljud om det kommer att störa andra ljud. De mest fängslande låtarna är de där varje del har sin egen melodi och kompletterar varandra för att göra en symfoni.
Steg 5. Blanda nerifrån och upp
Tänk på en låt som en pyramid: dess lägsta och tyngsta delar (basfat, basgitarr) kommer att utgöra grunden för alla andra element, med sång och ledningar längst upp i pyramiden. Delar som gitarrer, tangentbord och andra slagverk fyller utrymmet mellan toppen och botten av pyramiden.
Steg 6. Var inte rädd för att experimentera med equalizer/EQ
EQ kan vara ett bra verktyg för att fokusera ljudet på ett instrument genom att öka eller minska ljudets låga eller höga frekvenser. Det finns två sätt att förstärka ljudet på ett instrument: du kan öka vissa frekvenser eller eliminera andra. Vanligtvis kommer virveltrumman att låta högre med en ökning av låga frekvenser, medan hi-hattar och tomtoms kommer att låta skarpare och mer verkliga när de låga frekvenserna reduceras.
- EQ används inte bara för finjustering; EQ är också användbart för mycket mer praktiska saker om något går fel eller har låg kvalitet. Du kan använda EQ för att komma runt detta genom att minska högfrekvent feedback (högklippt EQ) eller ta bort infraljud (lågt EQ).
- EQ är också mycket användbart, särskilt när du använder en trumset. Vanligtvis, när inspelning för detta trumset, placeras mikrofonen mycket nära varje del, för att undvika andra ljudläckor som kan påverka ditt spår. Vibrationerna som förökas i detta trumset kommer dock ibland att resonera i andra delar (till exempel trampa på baspedalen på en trumma och du kommer att höra ett ljud på virveln). Med EQ kan du minska dessa lägre frekvenssvar.
- Vidare, när en mikrofon placeras mycket nära ett instrument, tar den naturligtvis upp toner med lägre frekvenser, som vanligtvis saktar ner när avståndet ökar. För att få ett mer naturligt ljud så att du inte verkar placera mikrofonen direkt ovanpå ett musikinstrument, minska de låga frekvenser som tas upp av mikrofonen med hjälp av EQ.
Steg 7. Använd ett komprimeringsverktyg för att säkerställa att ett spår har en konstant volym
Kompression är avgörande för att få ett konstant ljud, särskilt i basrytmdelarna. Mänskliga misstag säkerställer att dynamiken i ett musikinstrument aldrig kommer att vara konstant under hela inspelningsprocessen. Komprimeringsprocessen kan korrigera detta genom att förstärka tystare ljud (komprimering uppåt) eller minska högre ljud (komprimering nedåt), samtidigt som ljudet inom det önskade dynamiska området inte påverkas.
Steg 8. Kontrollera ljudet av trummor och bas
Ljudet av varje del måste förbli verkligt, men också blandas väl. Om ett instrument är väldigt verkligt eller otydligt kommer ljudet att låta udda. Tänk på din låt som en refräng: varje del ska höras vackert separat, men också fungera tillsammans som en helhet.
Steg 9. Använd en bullergrind
I grund och botten fungerar en brusgrind genom att eliminera alla ljud som inte uppfyller en viss minsta volymstorlek. Bullerporten är mycket användbar när inspelning görs i ett område där det finns mycket bakgrundsljud, så att allt "surr" kan tas bort. Naturligtvis kan det tyckas lättare att skjuta ner faderratten när ett instrument inte spelas (till exempel om leadgitarr bara spelas några gånger), men att faktiskt använda en noise gate är ett mycket mer praktiskt steg för slagverk ljud. Detta beror på att det är krångligt och kräver mycket arbete att klippa varje ljud mellan slag”hit” -ljuden. Experimentera med bullergrindar för ett skarpare, "renare" ljud.
Steg 10. Lek med mitten
Gör detta genom att ändra stereoeffekterna. Har du någonsin lyssnat på en låt med hörlurar och hört olika spår i varje öra? Prova själv. Vanligtvis kommer basdelarna att låta bäst när de är i mitten, medan rytmgitarr och slagverk kommer att vara intressanta om de spelas från sida till sida omväxlande. Ett lite utanför mitten av tangentbordet skulle också vara intressant. Denna inställning ger en låt en tredimensionell känsla eftersom dina öron automatiskt kommer att ta upp ljud som kommer från olika riktningar.
Steg 11. Prova att lägga till reflexeffekter
Detta får din låt att låta som om du har flera instrument som spelar en roll genom att lägga till lager till samma spår, med bara lite olika tonalitet och intonation. I allmänhet låter denna effekt dåligt på ett tangentbord, men det kommer att fungera mycket bra på delar av gitarrspel.
Steg 12. Använd processautomatisering för att skapa en mer musikalisk låt
Automatisering kan användas på olika sätt för att skapa musikalitet. Det finns så många olika tillvägagångssätt du kan ta här att de inte kan beskrivas i bara en artikel. Här är några som vanligtvis används av professionella låtskrivare:
- Att använda automatisering för masterbussektionen för att göra refrängen lite högre än versen.
- Använda automatisering för effektreturavsnittet. Ibland kanske du kan reverb eller fördröja ett ljud för att producera mer eller mindre verkliga delar av en låt.
Steg 13. Sätt ihop allt
Gör små justeringar av varje spår, men se till att du har det hela i åtanke och lyssnar mellan varje justering du gör. Även om de enskilda delarna låter bra, ska slutprodukten låta bra som helhet.
Steg 14. Var inte rädd för att bryta mot reglerna
Allt du läser om blandningsprocessen, oavsett om det är ett "faktum" eller en teknisk åsikt, kan ibland få dig att tappa din kreativitet. Lita alltid på dina öron och var inte rädd för att bryta mot reglerna. Om du tror att du behöver lägga till 10 dB ljud vid 10 kHz, gör det. Om resultaten låter bra har du rätt.
extern länk
Blanda en låt: En nybörjarguide
